名曲を聴いても『良い曲』で終わる人へ｜昔の曲を3つの視点で分析して作曲に活かす手順

 名曲を聴いて「いい曲だな」で終わっていませんか？ 

 好きなアーティストの曲を何度も聴いても、いざ自分の曲を作ると「何が良かったのか」を言葉にできず、結局いつもの進行・いつもの構成に戻ってしまう。これはセンスの差ではなく、 聴き方が“鑑賞”のまま止まっている だけです。 

 プロの作曲家やアレンジャーは、名曲を「好き」で終わらせず、 コード・構成・アレンジの3つの視点 に分解して聴き込みます。分解できた要素は、自分の曲に“翻訳”して持ち帰れます。この記事では、昔のアーティストの曲を分析して自分の作曲に活かす手順を、3つの視点で具体的に解説します。 

 視点1：コード進行を1つずつ書き出す（和声の引き出しを増やす） 

 最初に見るのはメロディではなく、 土台になっているコード進行 です。耳コピが完璧でなくても、「だいたいこの響き」という粒度で十分に引き出しになります。 

  1曲を通してコードを並べる ：イントロからアウトロまで、4小節や8小節単位でコード名を書き出します。 

  「あ、ここ良い」と思った場所をマークする ：サビ頭の入り方、ブリッジで一瞬色が変わる場所など、心が動いた瞬間のコードに印を付けます。 

  機能で眺める ：トニック・ドミナント・サブドミナントをざっくり分類すると、「なぜ良く聴こえたか」が見えてきます。 

 名曲の進行をそのままコピーするのではなく、 「この場面でこの響きを使うと、こういう感情が動く」 という対応関係を引き出しとして持ち帰ることが大切です。 

 視点2：構成（セクション展開）をブロック化する 

 次に、曲全体の 設計図 を取ります。良い曲は、展開の順番と尺配分に理由があります。 

  セクションを色分けする ：イントロ／Aメロ／Bメロ／サビ／間奏／アウトロなど、曲をブロックに分けます。 

  各ブロックの小節数と役割を書く ：Aメロは何小節で情報を出し、サビは何小節で感情を解放しているかをメモします。 

  エネルギーの山谷を追う ：静→動、密→疎、低→高のように、曲がどこで盛り上がりどこで抜くかを書き添えます。 

 名曲のブロック図と自作を並べると、足りないのは音数ではなく“ため”の小節数だった、といった原因が具体的に見つかります。 

 視点3：アレンジ（音色・リズム・レイヤー）をメモする 

 同じコード・同じ構成でも印象を決定づける アレンジの手触り を、1ループずつ区切って聴きます。 

  音色 ：主役の楽器、ドラムの質感、ギターやシンセの太さなど。 

  リズム ：キックとスネアのパターン、ハイハットの刻み、ベースのノリ。 

  レイヤー ：Aメロとサビで何本の音が増減しているか、広がりの正体は何か。 

 1曲から1〜2個の手口をメモできれば十分です。 

 分析を自分の作曲に活かす3ステップ 

  ステップ1 ：1曲を1枚の分析メモにまとめる（コード進行／構成ブロック図／アレンジの手口1〜2個）。 

  ステップ2 ：「借りる要素」を1つだけ決めて自作に入れる（ため方、着地、音数の少なさなど）。 

  ステップ3 ：参考曲と自作を聴き比べて違いを言語化する。 

 まとめ 

 名曲の分析は、コード・構成・アレンジの3つの視点で分解し、良さの理由を言葉にして、自分の曲に1つだけ翻訳する作業です。まずは好きな1曲を選んで、今日から3つの視点でメモを取ってみてください。 

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